L’enregistrement numérique a marqué sans aucun doute un grand bon en avant. Le même groupe qui pouvait investir 10 000$ dans un album il y a de cela une génération, peut aujourd’hui s’offrir son environnement Pro Tools accompagné d’une suite de plug-ins et enregistrer autant de chansons et d’albums qu’il le désire.
Le numérique a prouvé qu’il a été une aubaine pour les home-sudistes et cela concerne aussi le vôtre. Nous sommes nombreux à n’avoir jamais pu s’offrir une Neve, une console API ou un Studer 24 pistes sans avoir d’abord consenti un emprunt. Aujourd’hui nous disposons d’une armada de plug-ins dont ceux édités par Neve, API et Studer et disposons de bien plus que 24 pistes.
Il est vrai que les commodités et les facilités du numérique ont marginalisé les méthodes d’enregistrement des 50 dernières années y compris les meilleures à un tel point que certaines d’entre elles risquent de disparaitre.
Nous devrions cacher ce satané écran d’ordinateur et passer plus de temps à écouter.
« On constate de plus en plus ces derniers temps que le processus d’enregistrement se fait en regardant l’écran de l’ordinateur contrairement à l’acte d’écoute ». affirme Ken Scott, le réalisateur/ingénieur du son légendaire qui a travaillé aux côtés des Beatles, David Bowie et Supertramp, pour ne citer qu’eux. « Nous devrions cacher ce satané écran d’ordinateur et passer plus de temps à écouter. »
Alors « écoutez » ces techniques vintage d’enregistrement à l’intérieur de votre tête en même temps que vous les découvrez à travers ces lignes. Essayez-les chez vous ou alors dans un gros studio, ou bien la prochaine fois que vous apercevrez ce « satané écran d’ordinateur ». Un grand merci à Scott qui m’a procuré des éléments de valeur pour cet article.
1. Accordez-vous à des guitares désaccordées
Ce n’est jamais une mauvaise idée d’accorder tous les instruments entre eux. Mais si vous écoutez le classique “Queen Jane Approximately,” de Bob Dylan, vous vous apercevrez que l’accordage des guitares bouge constamment. Qui oserait modifier cette chanson aujourd’hui ? A cette époque, on s’accordait sur le piano et à l’oreille, ou à l’aide d’accordeurs stroboscopiques qui pesaient 13 kgs. Si un groupe enregistrait piste par piste ou effectuait des prises overdub sans s’arrêter à chaque fois pour se réaccorder, il en résultait un effet chorus sur les parties guitares qui au final grossissait le son global.
2. Monter des mixages A & Bs
Pendant qu’il travaillait avec Bowie, Scott a développé une technique qui consistait à mixer un titre par sections ou parties ayant chacune leur caractère sonore propre. On peut voir cela aujourd'hui comme un montage fait à partir de deux, voire trois ou même quatre mixages différents d'un même morceau. Pour retrouver cette sensation d'alors, il suffit de ne pas automatiser le titre d'un bout à l'autre mais au contraire de travailler chaque partie du titre tout à fait séparément
Article recommandé
3. Utiliser la vitesse de la bande pour les changements d’octave et de tonalité s
Scott affirme que cette technique apparait clairement sur la partie de piano solo effectuée par George Martin dans “In My Life”. « Il a enregistré un piano à une vitesse divisée de moitié en réglant le défilement de la bande à 19 cm par seconde, il a joué la partie lentement, et a ensuite ramené le défilement de la bande à vitesse normal. Non seulement aucune différence de mise en place n’est à déplorer mais en plus, « Quand le piano joue à son octave normal, il a un timbre différent », déclare-t-il.
4. Mixer dans un studio différent
Passer d’un studio à l’autre était très courant à la fin des années 60 à Londres. Quand on va dans un nouveau local pour mixer et/ou masteriser, on obtient une perspective rafraichissante. C’est faire preuve de sagesse que d’aller mixer à un endroit qui permette à vos pistes de profiter d’un équipement plus lourd en matériel. A condition de ne pas se retrouver dans la situation d'un débutant aux manettes d'un avion de chasse. Faites appel à un ingénieur qui a des oreilles neuves -au moins une qui entend la chanson pour la première fois.
5. Laisser la repisse passer
La possibilité d’isoler les pistes les unes des autres s’est répandue dans les années 1970, mais nombre d’enregistrements stériles en ont résulté. Un son global bien rond résulte du fait que la batterie s’entend un peu dans les micros guitare, par exemple. Au moment de préparer un mix où on a de la repisse entre les instruments, pensez d’abord les instruments comme un ensemble. Le regretté Doug Fieger des Knack m’a raconté une fois dans une interview que la repisse a aidé le groupe à mixer « My Sharona » en moins d’une demi-heure. Et un autre facteur qui a contribué à son efficacité est...
Article recommandé
6. Faites-le Live
TTrop d‘enregistrements “Frankensteinés” nécessitent tellement de retouches qu’il faut embaucher une armée d’ingénieurs/chirurgiens pour y remédier. Quand un groupe se présente à votre studio, ayez le courage de le renvoyer et de faire en sorte qu’il répète encore. A son retour, montez plusieurs prises entre elles, plutôt que d’en faire une seule que vous allez éditer à mort sur Pro Tool. Comme autrefois, le but du jeu est d'assembler un titre qui déborde d’énergie et qui vous encourage même à laisser les erreurs en place. Que serait “Louie Louie” sans son batteur frustré qui jette ses baguettes, et ce juron à la 54 ème seconde de la prise ?
7. Faites vos propres effets sonores et propres ambiances
Pour la chanson « School » de Supertramp, Scott a fait des prises d’enfants qui jouent à l’extérieur. Envisagez la captation de l’ambiance recherchée de manière musicale. Les enfants, quand ils s’amusent, ont leur propre rythme, leurs propres mélodies abstraites.
8. L’ambiance de la pièce, c’est tout
Je vous présente ce mystérieux Beatles : Le lieu de l'enregistrement. Votre « musicien additionnel » pourrait même être votre salon si il dispose d’une ambiance et qu’il fait en sorte que les musiciens s’y sentent bien. A choisir, je prétends qu’une grosse installation acoustique arrive en second plan derrière une pièce qui favorise la performance pop et fait qu’un groupe émerge. Notez qu’un parquet en bois dur et un plafond haut grossissent le son de batterie.
Article recommandé
9. Se poser des contraintes
Quand les magnétophones 4 pistes offraient un espace limité, ingénieurs et réalisateurs effectuaient une « réduction du mix », qui consistait à bouncer 3 pistes pleines en une, et qui, quelquefois, consistaient à bouncer une seconde fois quand les 3 pistes libérées étaient à nouveau utilisées. Cette situation les obligeait à prendre des décisions ingénieuses. A l’ère des prises illimitées, impossible d’échapper à l’enregistrement sans limites. Mais, est-ce une bonne chose ? Dans l’absolu, capteriez-vous un ampli guitare à l’aide d’un microphone ou à l’aide de 10 microphones ? Réfléchissez comment vous pouvez rationaliser, simplifier et stimuler. Capter tous les membres d’un groupe avec un seul microphone ça a marché pour Bill Haley and the Comets et des dizaines d’années plus tard pour les Cowboy Junkies.
10. Privilégiez les qualités musicales sur la qualité sonore
Nombre de disques de blues actuels, par exemple, « profitent » du numérique en faisant des produits vraiment propres, digne d'un bal des débutantes. Ecoutez des albums classiques avec leur caisse claire enterrée (Otis Redding), leurs cuivres déformés (James Brown), une fidélité du rendu sonore générale très mauvaise (de la Motown des années 60 pour revenir jusqu’à Django Reinhardt). Ca ne veut pas dire qu’il faille abandonner les captations propres - Sachez qu’une légère touche de ton sépia peut créer beaucoup de caractère.
« Toute la musique devrait toucher votre âme, votre intérieur, et c’est ce que nous n’entendons pas de nos jours. »
Ne vous trompez pas : la haute technologie ne marque pas la fin des méthodes historiques d’enregistrement: elle écrit l’histoire de la création à sa façon. Mais, puisqu’on s projette dans l’avenir ce n’est pas idiot de regarder en arrière et de voir ce que nous avons laissé au bord de la route sur le plan musical.
« Toute la musique devrait toucher votre âme, votre intérieur, et c’est ce que nous n’entendons pas de nos jours. » déclare Scott. Elle devrait être forte et en même temps douce, et pas seulement exploser à la figure. Si c'est un peu faux ou pas en place, alors elle vous touche contrairement à ces chanteurs qui vont en studio en affirmant, « je la fais en une prise; vous l’arrangerez avec Auto-Tune et la recalerez au tempo »
En d’autres termes, une partie vocale ou performance vocale déchirante en studio, même avec ses imperfections, a toutes les chances de durer dans le temps.
Au sujet de l’auteur : Lou Carlozo
Lou Carlozo est un musicien de studio, ingénieur du son et producteur basé à Chicago. Il est aussi un ancien éditeur musical et rédacteur pour Chicago Tribune. En 2013, il a composé et joué la bande originale pour la comédie “We’ve Got Balls,” qui obtenu nombre de récompenses dans les circuits de festivals nationaux.